Category: Prensa

Israel Viana arranca la introducción de su magnífica entrevista recordándome que empecé a tocar la guitarra el mismo año que se aprobó Ley de Propiedad Intelectual de 1987. “Solo era una niña y aún no sabía que aquellos dos acontecimientos se convertirían en la piedra angular de su vida”. Nunca lo había pensado así, pero tiene mucha razón.

entrevista ABC Ainara LeGardon

PD: la foto es de Alvaro Sanz.

Entrevista completa en http://abcblogs.abc.es/silencio-por-favor/2017/08/21/ainara-legardon-sgae/

 

Estoy viendo Metrópolis en La 2 y me da un vuelco el corazón cuando veo reproducidas en pantalla y oigo declamar, en boca de una performer, estas palabras mías:

“Los artistas nos dedicamos a hacer, sin preocuparnos demasiado de cómo lo estamos haciendo. Nos han enseñado que responsabilizarnos de algo más que divertirnos creando, nos desconcentra. Nos han repetido que lo mejor es que nosotros nos dediquemos a lo que sabemos hacer, y dejemos el control de la gestión de nuestra obra en manos de profesionales. Estamos desunidos y luchamos solos. Y las batallas, de esa forma, están perdidas antes siquiera de iniciarse”.

Extracto del artículo "¿La culpa es de los artistas?" de Ainara LeGardon en Metrópolis de La 2 de TVE.

Extracto del artículo “¿La culpa es de los artistas?” de Ainara LeGardon en Metrópolis de La 2 de TVE

La performance “Bosobosoboso”, según el dúo de creadores “Somos nosotros” (Begonya García y Alfonso Fernández), está basada en el Decálogo de Buenas Prácticas Profesionales desarrollado por la Asociación de Artistas Visuales, y contrapone las buenas prácticas e intenciones, con la realidad de los artistas.

Me ilusiona que esas palabras mías hayan llegado hasta ahí y me emociona que alguien las haya tomado para desarrollar una obra que además reflexiona sobre la realidad de los artistas como trabajadores precarios (aunque echo de menos un pequeño crédito a la autora y a la fuente, ya que detalles como ese harían que todo esto fuera un poco menos precario).

Dicho esto, la cuestión es que si sirven para abrir debates de este tipo, me doy por satisfecha.

Hoy os iba a contar que ya queda muy poco para el curso on-line de Propiedad Intelectual, licencias libres y gestión de derechos, que comienza el 1 de febrero. Os animo a realizarlo para adquirir los conocimientos y las herramientas que, con suerte, harán que podamos luchar más firmemente por nuestros derechos (por cierto, que el Decálogo de Buenas Prácticas Profesionales desarrollado por la Asociación de Artistas Visuales es uno de los documentos que suelo mostrar en clase). Más info sobre el curso aquí:
http://www.ainaralegardon.com/…/curso-on-line-de-propiedad…/

PD: El artículo original que contiene las palabras citadas es “¿La culpa es de los artistas?” y está disponible en: http://www.ainaralegardon.com/…/la-culpa-es-de-los-artistas/.

Gabon! Que paséis una buena noche!

 

Entrevista completa en: http://www.shookdown.es/ainara-legardon-last-day/

Extracto:

“Ertz es un no-festival. Es un espacio inmaterial que cuestiona y busca en los recovecos de las relaciones entre el que escucha, y como dice Xabier, el que “escucha escuchar”. Como público me ha dado siempre la oportunidad de experimentar sensaciones completamente disruptivas. De hecho, creo que Ertz no tiene público. Tiene participantes. Una de las cuestiones que plantea es esa relación entre quien acude a experimentar algo y quien supuestamente ofrece esa experiencia (que acaba siendo irremediablemente tocado por los demás participantes, por el entorno, por el contexto tan particular que se genera). Algunos de los momentos que he vivido como público/participante han supuesto puntos de inflexión en mi manera de percibir, y en última instancia, de crear música. Paseos sonoros por el monte, banquetes sensoriales, masajes sonoros… Y, sobre todo, conversaciones. Ya sólo como asistente a sus propuestas, tengo muchísimo que agradecer a Ertz. En esta ocasión, para mi suerte, el experimento ha ido más allá: En “Los pliegues de la voz” nos han juntado a varias personas que indagamos en esos dobleces emocionales que existen tras las respiraciones y las cuerdas vocales, la palabra y la no-palabra. Nos han brindado un estudio de grabación a nuestra disposición durante una semana, y no sólo nos han permitido, sino animado (incluso retado) a probar qué pasa cuando, sin un objetivo concreto, pones a vibrar tu cuerpo junto al de otras personas. Puede que resulte algo interesante o puede que no, pero no existe el miedo al fracaso, puesto que este no tiene cabida en un contexto como Ertz. Esto es lo que más valoro de estas jornadas compartidas: la capacidad de haber creado, entre todos, un espacio semi-onírico sin reglas en el que todo ha sido aprender e incluso, por mi parte, enfrentarme a algunos desafíos latentes”.

 

 

Extensa e interesante entrevista de Ainara LeGardon con María N. Limón para el programa El Limón Revoltoso de Radiopolis. En dos podcasts:

 

“El diablo se hace más fuerte cuando miras hacia otro lado”. Ayer escuché esta frase (o algo parecido en su versión inglesa) e inmediatamente la adopté como epígrafe de uno de los capítulos del libro sobre SGAE. Afortunadamente, algo está cambiando y hoy, 27 de mayo, algunos miramos de frente a muchas cosas. Las comparto con vosotros por si os apetece unir la trayectoria de vuestros rayos X:

-Se ha puesto en marcha la página Unión Estatal de Sindicatos de Músicos, Intérpretes y Compositoras. Uno de los primeros actos en los que estarán algunos compañeros es esta tarde en Madrid, una jornada sobre sindicalismo y derechos de autor en el Ateneo de Villaverde: https://www.diagonalperiodico.net/culturas/30454-jornada-sindicalismo-derechos-autor.html

-Yo no estaré allí, porque arranco en Irun “Copyzer” (“Copyqué”), un servicio de asesoría gratuita y personalizada en materia de derechos de autor, licencias, y propiedad intelectual en general. La demanda ha sido brutal y las sesiones están completas hasta septiembre, lo cual indica vuestra inquietud y necesidad.

-Pero para el que quiera escuchar mis consideraciones acerca de los modelos de gestión de derechos de autor, la música en el entorno digital, la supuesta batalla entre creadores y usuarios, y lo que yo entiendo por respeto entre unos y otros, os recomiendo encarecidamente la lectura de esta entrevista en Plaza Abierta que me ha realizado Alejandro Matilla. La más detallada y completa en materia de propiedad intelectual de las que me han hecho hasta ahora. Espero que os parezca interesante puesto que, como siempre digo, va por vosotros. Que paséis un buen fin de semana. Y mirad a este lado, por favor.

http://plazabierta.com/entrevista-a-ainara-legardon-sobre-propiedad-intelectual/

Portada entrevista Ainara LeGardon en Plaza Abierta

Portada entrevista Ainara LeGardon en Plaza Abierta

 

Portada Aldiri Aktikertura eta abar 25

Portada Aldiri Aktikertura eta abar 25. Fotografía de Rafa Rodrigo. Material utilizado para la elaboración de la pieza “El deseo como cemento”: Miniamplificadores Danelectro Honeytone, eco de cinta Copicat IC 300 WEM ’70s, micrófono Electro-Voice 915 Crystal –perteneciente a un afinador estroboscópico Conn Strobo Tuner ST9 ‘50s-,varios reproductores de casete Philips, Sanyo, Omega y Unisef, cinta, material plástico, vasija con conchas y teléfono perteneciente a un sintetizador analógico DeMenTia laBs circuit bent “Field phone”

Mis cacharros tienen el honor de conformar el bodegón de la portada del nº25 de la revista de arquitectura Aldiri Arkitektura eta abar. En el interior, una entrevista de Ander Gortazar Balerdi sobre mi proyecto “El deseo como cemento“. Música y arquitectura, mucho en común. Reproduzco a continuación la versión en castellano. La versión en euskera, aquí: http://www.ueu.eus/denda/ikusi/aldiri_25__donostia__kulturaren_hiria_

 

Música para la portada de una revista de arquitectura. ¿Qué tienen en común ambas disciplinas?

Muchísimo. A través de la música también diseñamos, proyectamos y construimos. Fabricamos relatos y lugares en los que la gente encuentra refugio y disfrute. Los músicos, al igual que vosotros los arquitectos, tenemos que elegir los materiales idóneos y la mejor forma de combinarlos para que la experiencia deje huella en quien la vive.

El bodegón fotografiado por Rafa Rodrigo muestra todos los dispositivos y elementos utilizados para la pieza “El deseo como cemento”. ¿Por qué deseo? ¿Por qué cemento?

Llegué a ese título casi al final del proceso, cuando comprendí con qué materiales estaba trabajando. No sólo eran sonidos, eran también palabras e historias. Pero lo que más peso iba adquiriendo era el conjunto de relatos que yo misma iba construyendo mirando los edificios, observando la ciudad (me informé sobre la historia local, el porqué de sus monumentos, arquitectura, peculiaridades, etc.), a los paseantes, a la gente conversando en el tranvía, en las cafeterías… En Donostia podía entender parte de sus diálogos. En Wroclaw sólo sus gestos, su tono, el contexto. Todas esas piezas, sin un material aglomerante, no encajaban. Ese aglomerante que daba cohesión al conjunto era precisamente mi fantasía y cómo yo estaba interpretando todo que percibía a través de mis sentidos: “El deseo –mi fantasía- como cemento –cohesionador-”.

En uno de los diarios donde fui describiendo el proceso, expliqué que me interesaba “dialogar entre nosotros y con ellas [las ciudades], en el idioma en el que hablan las ciudades y las historias: un lenguaje aunque a veces torpe, siempre acogedor; formado por palabras truncadas, de las que nos llevamos tan sólo una parte de su significado. De esta manera podemos seguir construyendo ficciones y rellenar con el cemento del deseo los huecos de nuestra vida que no acertamos a comprender”.

“El deseo como cemento” nace en una residencia artística en Wrocław, y fue grabada tanto en la capital cultural polaca como en Donostia. ¿En qué aspectos de la ciudades está basada la pieza?

La idea nace del reto de vincular ambas ciudades a través del arte sonoro. El resultado de la pieza no es una grabación, sino una acción o performance sonora. Las grabaciones que utilizo en ella están tomadas en ambas ciudades, pero en la pieza intervienen también las palabras (o mejor dicho, los fonemas), el poso de las historias con las que me fui encontrado y otras que fui imaginando, y también algo de reflexión y crítica sobre el paisaje sonoro que nos envuelve.

¿Cómo fue el proceso creativo?

Durante varias semanas caminé por las ciudades grabando todo sonido y/o escena sonora que me resultara interesante. En Donostia, por ejemplo, grabé a unos niños jugando al fútbol en la Plaza de Cataluña, gritando, bajo el cartel que avisa “prohibido jugar al balón”. Éste rebotaba contra las paredes de la Parroquia de San Ignacio, y se me ocurrió, sin parar la grabadora, caminar hacia la entrada y descubrir lo que estaba sucediendo en el interior de la iglesia. Me encontré con una escena magnífica, el rezo del rosario. Decenas de mujeres murmuraban ese cántico que se convertía en un colchón sonoro, con palabras empapadas por la reverberación de aquel espacio, ininteligibles pero con mucho significado. Una pared de piedra separaba dos mundos, dos ambientes sonoros, totalmente distintos.

Como ese ejemplo, muchos más. Tantos, que llegó el momento de desechar algunos paisajes. Fui uniendo ciertos cabos entre las dos ciudades, señales que me indicaban qué audios usar y cuáles no, y lo fui documentando todo en un diario. De esta forma, el proceso se completaba con pequeños poemas y reflexiones.

Técnicamente, hubo que realizar una selección de las grabaciones de campo, elegir un orden lógico, pasarlas a formato casete, y encontrar la manera de encajarlas con las historias y las escenas que más me habían llamado la atención. También quise utilizar objetos o materiales encontrados en las ciudades para recrear momentos sonoros vividos en ellas. Por ejemplo, recreé el sonido de las olas del mar rozando la superficie de un micrófono de contacto con arena de la playa de la Zurriola contenida en un bol, o el sonido de las obras de reforma de las ciudades -el más común y casi continuo de los ambientes sonoros- haciendo vibrar una vasija de cristal que compré en un mercadillo de Wroclaw y rellené con conchas traídas de Donosti. Todo este proceso de búsqueda, ensayos, errores y hallazgos, me llevó aproximadamente un par de meses.

La pieza recrea sonoramente las obras de reforma de la ciudad, la arquitectura, la forma de comunicarnos. ¿Se podría extraer alguna conclusión? ¿Hacia dónde va La Ciudad, como ecosistema?

Aunque disfruté enormemente de las diferencias (la gastronomía y las costumbres relacionadas con ella, la arquitectura -que en Wroclaw es tremendamente especial-, etc.), me sorprendió encontrar un contexto de “Ciudad” muy homogéneo en dos lugares tan distintos y alejados. Hay más elementos comunes de los deseables, bajo mi punto de vista. Toda una retahíla de franquicias multinacionales que nos visten y nos dan el café como “nos tiene que gustar”, hacen que todo parezca demasiado uniforme y me hace intuir que el pensamiento se mueve globalmente por una misma senda que nos marcan tanto aquí como allá.

También me sorprendió lo poco conscientes que son los ciudadanos del entorno sonoro que les rodea. Vivimos en un contexto saturado de músicas, melodías, cantos, sonidos, ruidos (a gran volumen), voces y ecos (repeticiones de mensajes) que nos envuelve y, en ocasiones, incluso nos acorrala. Sin embargo, hemos terminado por acostumbrarnos a esta saturación y a vivirla con cierta dejadez.

¿Y hacia dónde la ciudad, Donostia-San Sebastián? ¿Cual es el poso que dejará la Capitalidad Cultural en la ciudad?

Para mí, a título personal, se está consolidando en una oportunidad de realizar proyectos diferentes, de encontrar otros creadores y ciudadanos con los que dialogar en lenguajes artísticos distintos. Pero, en términos generales, espero que seamos capaces de lograr que la huella que perdure no sea la de una ciudad más cara e inaccesible, como suele ocurrir tras los macro-eventos de este tipo.

Sólo me queda preguntarte por la definición de “cultura” de Ainara LeGardon.

Supongo que es aquello que hace de nosotros lo que somos. Lo que conforma nuestra identidad; ese contexto adquirido en el que a veces es necesario desaprender para que las nuevas ideas avancen.

Ilustración de Ainara LeGardon por Pirati a partir de una fotografía de Rafa Rodrigo

Ilustración de Ainara LeGardon por Pirati a partir de una fotografía de Rafa Rodrigo

 

 

“…se basta y se sobra para dejar al público con el culo roto y que le pidan bises. Un espectáculo difícil de explicar con palabras…”

Bonita crónica del concierto del pasado domingo en Le Bukowski.

El texto completo está disponible en Huerto Sonoro: https://huertosonoro.wordpress.com/2015/04/29/ainara-legardon-le-bukowski-19-04-15/

Crónica de Ainara LeGardon en Huerto Sonoro

Crónica de Ainara LeGardon en Huerto Sonoro

Hoy se publica en la web de Mondo Sonoro esta interesante entrevista a la que contesté hace ya varios meses. Más vale tarde que nunca. Eskerrik asko!

El texto completo lo encontraréis siguiendo el enlace: http://www.mondosonoro.com/Entrevista/AINARA-LEGARDON/En-el-riesgo-encuentro-un-aliciente-para-crecer/4962.aspx

Entrevista a Ainara LeGardon en Mondosonoro

Entrevista a Ainara LeGardon en Mondosonoro

Muchos me preguntáis por el equipo que llevo en directo. Que si “ese ampli parece el neceser de la abuela, ¿es de atrezzo?”, que si “¿de qué año es esa guitarra, habías nacido tú ya?”, que si “¿cómo consigues esos acoples? Se me ha derretido el cerúmen”… Pues bien, en la sección “Mondo Pro” del último número de Mondosonoro me hacen una completa entrevista en la que aporto detalles de mi sonido y curiosidades sobre los amplificadores y guitarras que uso tanto en directo como en estudio.

En la versión impresa hay un fallo (mío): La pantalla que llevo actualmente no es una Harley Benton G112, sino una Harley Benton G212V. La G112 también la he llevado en directo, pero no en la última gira.

Bajo la foto, el texto con la entrevista completa y enlaces* para los más curiosos.

Que lo disfrutéis. [*Los links llevan a mi antiguo blog de instrumentos. Hace años que no se actualiza, pero la información e imágenes que contiene me parecen lo suficientemente interesantes como para mostrarlas.]

Entrevista a Ainara LeGardon para Mondo Pro

Entrevista a Ainara LeGardon para Mondo Pro. Foto de Álvaro Sanz

AINARA LeGARDON

Guitarra: Fender Coronado I 

Ampli: Dynacord DA16/V + pantalla Harley Benton G212V con uno de los altavoces Celestion Vintage 30 reemplazado por un Goodmans.

Pedales: Lovetone Cheese Source (overdrive y fuzz).

Años de fabricación (de cada uno de los artefactos): Coronado: 1966; DA16: 1960; Cheese Source: 1999.

¿De dónde sale tu equipo? ¿Cuándo y cómo compraste la guitarra y el amplificador? (Puedes contar alguna anécdota al respecto…)

Casi todo de segunda mano a través de Ebay. La Coronado la compré en el 99 a una señora de Missouri cuya hija, a la que le había dado por el punk, ya no quería la vieja guitarra de mamá. Las dos unidades de Cheese Source que tengo las compré a la casa Lovetone antes de que cerrara, una en el 99 y otra en el 2007. Los amplis Dynacord los he encontrado en Alemania, salvo el último que acabo de comprar y aún no tengo en mis manos, a través de un músico de Alicante.

¿Qué sabes de la historia de sus marcas? 

Obviando la reciente reedición de las Coronado, estas guitarras se fabricaron originalmente del 66 al 69 siendo uno de los dos únicos modelos (junto a la Starcaster) de caja estrecha que fabricó Fender como respuesta al éxito de las “thinline” de marcas como Epiphone, Guild o Gibson. No funcionó comercialmente y en el 69 se dejó de fabricar. El diseño fue de Roger Rosmeissl, un luthier de origen alemán especializado en guitarras de tapa arquedada.

Respecto a los Dynacord, un dato curioso es que modelos como el MV15 eran realizados por mujeres, ya que se precisaban manos pequeñas para soldar y montar los componentes en un espacio tan reducido.

¿Qué pedales utilizas y en qué orden? 

Primero mando la señal a un afinador Boss, después entra en una caja AB/Y Lead Foot, que divide la señal en dos. Una, la envío al canal 2 del ampli, y otra la envío al pedal Chesse Source (overdrive y fuzz), y de ahí al canal 3 del ampli (al que doy más volumen). Manejo así 4 sonidos: canal 2, canales 2 + 3, canales 2 + 3 con overdrive, y canales 2 + 3 con overdrive y fuzz.  

¿Qué te gusta más de este equipo? ¿Cómo es su sonido? 

El resultado de la combinación es un sonido con mucho cuerpo y mucho rango. Me encanta porque tiene personalidad propia, y a veces se convierte en algo casi incontrolable, como una yegua desbocada o una tormenta. La guitarra tipo “thinline” junto al Cheese Source provocan un feedback que roza el caos. Es como una cometa que vuela libre, pero a mi merced, ya que casi siempre mantengo el control del carrete de hilo y la puedo atraer hacia mí.

¿Acostumbras a utilizar siempre el mismo equipo o cambias algunas cosas?

Como segunda guitarra suelo llevar una Harmony H56 Rocket, también del 66, o bien una Alden 9908 Tuxedo del 62, más ligera y manejable, que cabe en un estuche doble junto a la Coronado y puedo llevarla a la espalda cuando viajo sola. El cabezal que llevo como reserva es un Dynacord MV15 de los 50, que cabe en mi bolso de mano, y al 1 y medio es capaz de reventar la sala.

¿Prefieres usar todo el set para el directo, para el estudio o para ambas situaciones? 

Para mí ambas situaciones son iguales. Grabo en directo y básicamente con el mismo set que llevo en concierto.

¿Con qué bandas lo has utilizado? 

Con esa que llaman “Ainara LeGardon”.

¿En qué discos podemos escucharlo?

En “We once wished” (2011) y “Every minute” (2014).

La Coronado la llevo usando desde el 99 y aparece en todos los discos que he grabado desde entonces.

¿Conoces a algún otro músico o grupo que lleven un equipo igual?

La verdad es que no conozco a nadie que lleve la misma combinación de ampli, guitarra y pedal. Un guitarrista que me encanta y que lleva una Coronado, entre otras, es mi buen amigo Jason Victor (Steve Wynn and The Miracle 3, Dream Syndicate, Skull Practitioners…).

Precisamente nos hicimos amigos hablando de nuestras guitarras, como tantas veces ocurre entre músicos.

“Every minute”, la canción que da título a nuestro último disco, ha sido incluida en el volumen 39 del recopilatorio estadounidense Ball of Wax Audio Quarterly. La presentación en Seattle fue el pasado sábado 7 de marzo, y a día de hoy, la edición física del disco (limitada y serigrafiada) se ha agotado. La distribución digital se sigue realizando a través de la página de Bandcamp del sello de Washington: https://ballofwax.bandcamp.com/

Levi Fuller, el coordinador de la serie, nos dedica unas palabras en su página: “…Tanto la canción como el álbum continúan su trayectoria de rock pesado, sin miedo, con Ainara blandiendo su guitarra y voz como armas elegantemente labradas, respaldada por la musculosa sección rítmica de Héctor Bardisa y Rubén Martínez. […] Espero sinceramente que Ainara y su banda vengan algún día a Seattle, o que llegue a verlos en el País Vasco antes de morir.” El texto completo se puede consultar aquí: http://ballofwax.org/2015/03/ball-of-wax-39-songs-ainara-legardon-every-minute/

"Every minute" de Ainara LeGardon en "Ball of Wax Vol. 39"

“Every minute” de Ainara LeGardon en “Ball of Wax Vol. 39”

 


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